Met Gala 2026／今年主題太抽象？「Fashion Is Art」怎麼呈現 這六個品牌告訴你答案！

今年Met Gala 紅毯 落幕，超過200套造型輪番登場，但不少外媒和時尚評論家認為，在主題「Fashion Is Art」之下，今年呈現略顯分歧，未延續往年驚艷感。一方面造型偏保守，精緻卻概念不足；另一方面則過度強調視覺張力，卻與主題連結鬆散，使整體表現略顯失衡。

那麼，「Fashion Is Art」究竟該如何被真正詮釋？若回到策展脈絡，2026年展覽「Costume Art」或許提供了另一種解題方式。展覽聚焦服裝與人體的關係，透過跨越約5000年的藝術 作品並置，重新梳理「穿著的身體」與服裝物質性之間的對話，也將不同身體形象納入觀看視角。

在這個框架下，「Fashion Is Art」的重點其實不只是華麗與否，而是服裝如何重塑身體、改寫輪廓，甚至讓人重新看見「人」本身。也正因如此，當紅毯陷入各自解讀的混戰時，伸展台或許早就給出更清楚的答案。接下來，這六個品牌的設計出發，看看「時尚即藝術」的更多可能性。

ROBERT WUN

首先最不容錯過的就是今年Met Gala的最大贏家Robert Wun。香港設計師Robert Wun的設計以強烈敘事性與雕塑感輪廓著稱，擅長將情緒轉化為具體服裝語言，從記憶、創傷到夢境等抽象概念，皆能化為視覺張力十足的造型。他的作品融合超現實主義與未來感美學，常見不對稱結構、誇張比例與立體裝置細節，營造出介於現實與幻想之間的詭譎氛圍。整體風格既前衛又帶有戲劇性，使服裝不僅是穿著，更像是一件可行走的藝術作品。完美貼題今年Met Gala「時尚即藝術」的主題，受Lisa、大阪直美等眾多明星的青睞。

McQueen

講到「Fashion Is Art」，相信不少人腦子裡蹦出的第一個品牌就是McQueen。Alexander McQueen長期以來將時裝秀視為敘事空間，而非單純的展示平台。他的設計往往圍繞情緒、歷史與身體議題展開，將服裝轉化為劇場語言。從剪裁到結構，都服務於整體情境的建立，使作品帶有強烈的戲劇張力與心理層次。McQueen的時尚也因此不只是造型，而是一種帶有情緒密度的藝術表達。除此之外，在今年Met Gala開始前，不少人特別敲碗希望能看到品牌1999春夏系列的經典噴漆洋裝重現紅毯，可惜最終仍未在今年場上亮相，成為一個小小的遺憾。

Maison Margiela

Maison Margiela的關鍵在於將「解構」真正提升為一種方法論，而不只是風格表現。品牌刻意淡化設計師的個人痕跡，讓服裝回到結構本身被觀看的狀態，透過拆解、重組與結構外顯，將原本隱藏在內部的製作邏輯攤開在觀者眼前。在Margiela的語言裡，縫線、內裡、未完成的邊緣，甚至比例的錯位，都不再只是技術層面的細節處理，而是被賦予明確的設計意圖與視覺語言。服裝因此不只是「完成的成品」，更像是一個持續被拆解、再組裝的過程，使觀者得以重新理解衣服是如何被構築出來的。而在今年Met Gala紅毯上，由 Glenn Martens 操刀的立體禮服引發熱議，Rihanna的演繹也被視為年度最佳之一，再次凸顯Maison Margiela結構思維在紅毯上的影響力。

Schiaparelli

高訂品牌Schiaparelli之所以能完美詮釋「Fashion Is Art」，在於它始終以雕塑思維在做服裝設計。品牌以以超現實主義、怪誕美學和藝術跨界聞名，透過金色人臉、解剖式結構與誇張輪廓，讓服裝更接近藝術裝置而非單純衣物。其設計重點不在於「穿著的實用性」，而在於視覺與象徵的強度，使身體成為展示作品的一部分，而非主導者。其中最令人津津樂道的，就是品牌設計中反覆出現的「龍蝦」元素。這一意象源自 Salvador Dalí 的超現實主義藝術語彙，將日常物件錯位重組為夢境般的象徵。當龍蝦被轉化為服裝細節時，它不再只是生物，而成為荒誕與象徵並存的視覺符號，也進一步強化 Schiaparelli 將現實轉化為藝術語言的核心精神。

Comme des Garçons

日本國寶級設計師川久保玲所創立的 Comme des Garçons，長期以來持續挑戰既定的美學標準，並以「破壞身體比例後再重新建構」作為核心語言。透過不對稱、膨脹與結構扭曲等手法，品牌刻意顛覆傳統「修飾身體」的設計邏輯，使服裝不再只是美化工具，而轉向更偏向概念層面的討論。她的設計並不以迎合市場或審美為目的，而是持續提出問題：美是否必須遵循既定形式？也因此，其創作更接近觀念藝術的思維方式。在品牌2018春夏系列中，部分作品引用16世紀畫家 Giuseppe Arcimboldo 的畫作，他以水果、蔬菜拼組人像聞名，其中如《Vertumnus》等作品被直接轉化為服裝圖像，使時尚與藝術史在同一語境中產生直接對話。

Moschino

義大利新銳品牌Moschino以挪用與幽默為核心策略，透過日常符號與消費文化語彙重構時尚語言，從速食意象到品牌標誌戲仿，在諷刺與吸引之間取得平衡，使設計兼具娛樂性與批判性。其中2020春夏系列以立體派藝術家畢卡索為靈感，在創意總監 Jeremy Scott 手中延續誇張戲劇風格，運用金色畫框、吉他與丑角等符號，結合立體派與抽象語彙，使秀場更接近當代藝術展覽，並未走向學術化。他亦曾於2019年Met Gala「Camp」主題中，以 Lorraine O'Grady 概念打造金色畫框造型，展現將藝術轉化為時尚語言的能力。